La crítica invitada
A los que les interese el ejercicio de la crítica encontrarán aquí un espacio. El material elegido es libre y el texto no debe superar una página. Naturalmente serán elegidas aquellas que consideremos más interesantes y la selección no es objetable. No habiendo materiales potables puede haber semanas donde la sección no se publique.
Los materiales publicados se mantendrán en archivo consultable.
Crítica Nº3
Al final todo tiene que ver con el amor.
Al final todo tiene que ver con el amor.
Rodolfo Guillén
Dos manos se encuentran en la tabla de una mesa. Dos miradas se hacen cómplices en el momento más impensado. Dos voluntades toman el mismo rumbo por un segundo e inician el viaje.
Orva plantea un drama sencillo, la complejidad está en la situación… en los personajes. Ella, decide dejar toda su vida y crearse de nuevo a sí misma en un país extranjero. Él, introduce abruptamente a su casa, a su cama, a sus sueños, a su vida a ella; pero ante la inmediatez y premura de las decisiones ¿el amor es suficiente?
Orva plantea un drama sencillo, la complejidad está en la situación… en los personajes. Ella, decide dejar toda su vida y crearse de nuevo a sí misma en un país extranjero. Él, introduce abruptamente a su casa, a su cama, a sus sueños, a su vida a ella; pero ante la inmediatez y premura de las decisiones ¿el amor es suficiente?
La autora de la manera más sutil nos envuelve en el dilema de todos los días, de la generación, de un mundo globalizado, de seres que están en búsqueda pero sobre todo retrata y cuestiona la construcción del amor de dos culturas; la de ella… la de él.
La mirada de Orva está en las cosas simples, en los asuntos cotidianos y con ellos nos cuenta el interior de dos mundos que han decidido vivir una vida juntos, con esto Myriam pone sobre la mesa que el amor no es suficiente dada la invención que los individuos han construido sobre dicho tema. Así la pieza revela a dos personajes pasionales, que están dispuestos a vivir hasta las últimas consecuencias la llama del enamoramiento y que conforme pasa el tiempo… las estaciones… se perciben extraviados en los brazos del ser amado.
Heimweh/Estaciones es un pedazo de vida que expone a dos seres que se aman profundamente y quieren hacer y decir tanto pero sólo logran balbucir como un par de idiotas.
La dirección de escena está a cargo de Isael Almanza, la lectura que nos ofrece sobre la obra es fresca, propositiva y mesurada. Entiende el universo de la autora, acompaña a los actores en la travesía del drama y en su trabajo toma en cuenta al espectador. Almanza suma al drama un imaginario atractivo, es decir, el diseño de sus trazos en la escena están en la búsqueda de un sentido estético, que hace contraste con la situación. Estamos ante un joven director que muestra trabajo, oficio y sobre todo una búsqueda entre el realismo y el lenguaje para llevarlo a la escena.
En la escena Sabugal y Guzmán crean silencios, momentos, miradas, complicidad y sin más nos internan en su mundo, en la historia. Sabugal es una actriz que se permite indagar en sus miedos, en sus lugares más incómodos y se pone en riesgo en todo momento. Gonzalo Guzmán tiene un trabajo complicado actoralmente a primera vista, interpretar a un extranjero, pero decide de una manera inteligente dar más importancia al mundo interior de un hombre en dicha situación y ¡vaya!... es teatro y aquí se aplaude el desempeño actoral que el hiperrealismo a la hora del casting. Dos actores que están edificando una carrera interesante, aspirantes a ser dos animales escénicos.
La concepción espacial y el diseño de luz presumen de lucidez, de buena lectura, de sumar las sugerencias y dotar de poesía a la puesta en escena. Xicoténcatl Reyes a cargo del diseño sonoro propone a la dirección de escena matices, temperatura, pero sobre todo su aportación da forma y contenido al diseño escénico.
Asistir a Heimweh /Estaciones es comerse un dulce de ficción en un sábado por la tarde antes de hacer la noche.
En la escena Sabugal y Guzmán crean silencios, momentos, miradas, complicidad y sin más nos internan en su mundo, en la historia. Sabugal es una actriz que se permite indagar en sus miedos, en sus lugares más incómodos y se pone en riesgo en todo momento. Gonzalo Guzmán tiene un trabajo complicado actoralmente a primera vista, interpretar a un extranjero, pero decide de una manera inteligente dar más importancia al mundo interior de un hombre en dicha situación y ¡vaya!... es teatro y aquí se aplaude el desempeño actoral que el hiperrealismo a la hora del casting. Dos actores que están edificando una carrera interesante, aspirantes a ser dos animales escénicos.
La concepción espacial y el diseño de luz presumen de lucidez, de buena lectura, de sumar las sugerencias y dotar de poesía a la puesta en escena. Xicoténcatl Reyes a cargo del diseño sonoro propone a la dirección de escena matices, temperatura, pero sobre todo su aportación da forma y contenido al diseño escénico.
Asistir a Heimweh /Estaciones es comerse un dulce de ficción en un sábado por la tarde antes de hacer la noche.
Dramaturgia: Myriam Orva
Dirección de escena: Isael Almanza
Elenco: Paulina Sabugal y Gonzalo Guzmán
Teatro La Capilla.
Todos los sábados hasta el 1° de marzo de 2014
Dirección de escena: Isael Almanza
Elenco: Paulina Sabugal y Gonzalo Guzmán
Teatro La Capilla.
Todos los sábados hasta el 1° de marzo de 2014
Crítica Nº2
ZOÓNGORO BAILONGO
Y OTROS BICHOS RAROS
Por Diego Alvarez Robledo.
Zoóngoro Bailongo es una obra que no fue
creada para El Bicho, pero bien podría haber sido. La sencillez de sus
convenciones y la complejidad de sus sonidos hacen eco en las paredes de este
foro. Dos tríos, uno de son jarocho y uno de actores, interpretan historias y
cancionesen un espacio íntimo. Ésa es la primera virtud: desde la cercanía con
el público, esta orquesta ambiental de músicos y actores da rienda suelta a la
fantasía. A los ojos atentos de los niños, un pedazo de papel se convierte en
rana, otro en felino; con esa sencillez tejen una historia con momentos
mágicos, momentos emotivosy una estructura de fábula.
Es una historia que todos conocemos. La
ciudad crece y a su paso destruye la
naturaleza. Un día, la selva se está incendiando. Los animales que habitan ahí
tienen que salvar su hogar. La moraleja estriba sobre algunos de los temas más
importantes en la actualidad, la voracidad del ser humano: la selva está a
salvo, pero tardará más de cien años en recuperarse; es la huella que dejamos a
nuestro paso. En una época en la que los ecosistemas marinos, los manglares y
las selvas de Veracruz están en grave peligro, el son jarocho adquiere una melancolía
actual y pertinente, sin perder su naturaleza juguetona. Los niños se conmueven
pero nunca se angustian, a fin de cuentas, entienden la moraleja; me parece
crucial que en esta época el teatro hecho para ellos no sólo trate estos temas,
sino que realmente pueda transmitírselos. Ahí está otro gran acierto. Esto se
logra, también, porque la orquesta se adapta a la perfección al contenedor en
el que se encuentra.
La obra arranca con una luz fría que se
enciende sobre un puño en la oscuridad del Bicho, se escucha un zumbido. El
puño revolotea bajo la luz fría de un led como una mosca brillante. Comienza la
ficción.
Cada día, cientos de bichos pasan
desapercibidos frente a tus ojos. En la vida azarosa y caótica de la ciudad
nadie los nota; es fácil olvidar las hojas de los árboles, las jardineras, las
jacarandas u otras flores de estación que riegan su color entre las grietas de
las calles. Al norte de la colonia Roma hay calles que ya no se parecen a las
que describió el recientemente difunto Pacheco.Hoy están rodeadasde zonas
culturales, habitacionales, comerciales, empresariales, bares, restaurantes, y
en general los lugares más concurridos y desbordados, donde la juventud del DF
se desahoga sin miramientos. En las aceras, llenas de movimiento, los
transeúntes pasan sin desviar la mirada, el tráfico humea y la máxima
preocupación es encontrar lugar de
estacionamiento. Nadie tiene tiempo siquiera para pensar en insectos; y sin
embargo ahí, en el epicentro de ese caos, Hari Sama y Úrsula Prunedadecidieron
emprender un proyecto del que no todos salen bien librados.
En una época en la que los teatros del
INBA, el Helénico o la Secretaría de Cultura del DF reciben más de 200 carpetas
al año, hay una realidad evidente: hay mucho teatro y pocos espacios para
presentarlo. Cientos de egresados de las escuelas de teatro se enfrentan a esta
realidad año con año. Muchos definitivamente dejan el teatro. Lejos de los
subsidios, El Bicho es uno de los pocos espacios autogestivos del DF, que
además enfrenta un riesgo mayor al programargrupos jóvenes, aún con poco
reconocimiento. En su corta vida, la popularidad de este foro ha ido en
aumento. Semana con semana, se mantiene una afluencia constante de público, y
este público, también poco a poco, comienza a distinguirse del que asiste a
otros teatros. El hecho de que hasta ahora se haya mantenido este éxito me
parece admirable. Esto es resultado de una buena curaduría.
La compañía que se presenta está
conformada por otros bichos raros. A pesar de que la obra fue producida por
Teatro UNAM, el grupo es responsable de moverla en la actualidad, y por ahora
son autosuficientes. Todos egresados del CUT, muestran una vitalidad que me
parece crucial para las nuevas generaciones: rompen con los roles arcaicos de
la producción teatral para involucrarse de lleno en el proyecto, casi todos
asumen más de una función. Uno de los directores forma parte de la orquesta
(Carlos López Tavera), la otra directora (Isabel Toledo) es al mismo tiempo su
propia asistente de dirección, dos de los actores son productores (José Juan Sánchez
e Itzel Aparicio). El grupo se completa con la actriz Belén Aguilar y los
músicos Víctor Reyes y Pablo García. Todos son talentosos, pero sobre todo se
prestan al juego y saben jugar en conjunto. Esto se refleja en escena. Quizás
lo más notable es la cohesión con la que el grupo funciona: los actores y el trío
jarocho tejen una ficción al unísono; los músicos generan el universo sonoro
que en todo momento apoya la actuación, los actores cantan junto con los
músicos y en un momento climático los músicos irrumpen en escena. Ritmo y
armonía en todo momento.
Contra la sencillez aparente de la
propuesta, está la sofisticada orquestación, las texturas visuales y auditivas
que genera el ensamble. Al final, el juez definitivo es el público, y el
público más difícil: los niños. La historia de Zoóngoro implica en muchos
momentos un reto para ellos, el lenguaje es bello, pero complejo, la historia
es enredada y en general la obra mantiene un paso acelerado. Sin embargo, con
la destreza del grupo, niños de edades diversas se mantienen atentos durante la
función, por momentos incluso hechizados; al final, queda la impresión de que
todos se van con algo valioso.
Zoóngoro Bailongo estará presentándose en
Foro el Bicho, los sábados y domingos, a la 1 pm, hasta el 2 de marzo.
DIEGO ÁLVAREZ ROBLEDO
NUESTRO CRÍTICO INVITADO DE LA SEMANA
NUESTRO CRÍTICO INVITADO DE LA SEMANA
Crítica Nº1
Después de la guerra me encontré a Segismundo
Por Rodolfo Guillén.
Hablar sobre las cosas simples,
es complicado. La situación: un extranjero está esperando en la oficina de
migración entrar al país. Con esto Bosco Brasil crea una historia emocionante, divertida
en el sentido complejo. Esta diversión está en la trama cuando se vuelve
impredecible y no tienes idea de hacia dónde va la historia pero aún así no
puedes dejar de mirar la escena. El autor habla de temas incendiarios, del
poder y del horror del ser humano, un fugitivo del régimen nazi, viaja a Brasil
en busca de una nueva vida lejos de los recuerdos de la segunda guerra mundial
¿La migración es un acto de evolución?, ¿Cuál es el dolor de los migrantes?
Nuestro personaje huye de una guerra, una guerra interna, huye de la conciencia
de que él salvó su vida a costa de perder a los seres que le daban sentido cada
día. Un hombre derrumbado, que intenta seguir adelante, espera junto con el
hombre a cargo de la oficina, las nuevas directrices para los tiempos de paz
¿Quién dictará estas directrices?, ¿En base a que se deciden?, ¿Cuáles son los poderes
fácticos que se impondrán en estas nuevas directrices? La obra de Bosco es una
ola de preguntas sobre el sentido, la guerra y la paz.
La dirección de escena es sobria,
prudente y se concentra en los actores, en sus silencios, en la mirada, en el
trazo, pero sobre todo en sus pensamientos. Figueroa nos cuenta una historia
compleja de una manera sencilla y rigurosa,
se detiene en el diseño de cada diálogo, lo comprende y lo transmite a
sus actores. Al parecer es un director que escucha y da plataforma firme para
que sus actores edifiquen castillos. Tiene dos pedazos de actores que se baten
en el escenario. El trabajo de Le Gargasson es intuitivo, preciso y te permite
entender el mundo interior por el que está pasando el extranjero (el
extraviado) Falconi hace lo propio, por momentos le falta comprender la escena
y menos fuerza física, el horror ya está planteado en la historia lo único que
hay que hacer (qué nos es cosa sencilla) es la voluntad de comprometerse con
ese mundo de la desesperanza. El diseño sonoro está a cargo de Xicotencatl
Reyes y Dulce Mariel que propone sumar al imaginario que propone la obra, en
atmósferas, colores, acentos y remata como los grandes. La iluminación es un
asunto interesante ya que se hace muy protagonista en la puesta y distrae en
lugar de sumar.
Al final arrojo las siguientes
preguntas para crear un diálogo ¿Cuántas formas hay para montar una obra
realista?, ¿Esta puesta en escena puede ser más brutal para los espectadores y
en qué radica?
Sin más los invito a ver esta
puesta en escena y a diseñar más pregunta ante un trabajo comprometido.
RODOLFO GUILLEN.
Nuevas
directrices para los tiempos de paz
Puedes ver esta obra del 23 de
enero al 16 de febrero de Jueves a
Domingo en el Teatro Orientación
Si quieres saber más de esta obra entra a: nuevasdirectricesparalostiemposdepaz.blogspot.mx
Rodolfo Guillen
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